COMO SER JOHN MALKOVICH
Una película que tiene tantos premios debería ser comentada… ¿No creéis?
Este gran film surrealista y de comedia dirigido por Spike Jonze y escrito por Charlie Kaufman, con actores de la talla del propio John Malkovich ,John Cusack, Cameron Díaz y muchos mas. Esta película trata de un simple marionetista (John Cusack) que no tiene éxito con su trabajo y encuentra un trabajo en una empresa organizando archivos, entre archivo y archivo encuentra una puerta que le lleva directamente a la cabeza de John Malkovich…,esto no lo esconde sino que se lo dice a su compañera de trabajo a la que quiere seducir y a su mujer…que quieren experimentar como es estar dentro de un hombre…Y así van sucediendo los actos manejando a Malkovich como simple marioneta, hasta que un día las cosas se tuercen, es mucho mejor la vida de un actor con dinero que las suyas propias, y eso se va convirtiendo en un vicio. Unos para impresionar a una chica, otros por la eternidad.
1999: 3 Nominaciones al Oscar: director, actriz secundaria (Catherine Keener), guión original
1999: 4 nominaciones al Globo de Oro, incluyendo Mejor película-comedia y guión
1999: BAFTA: Mejor guión (Charlie Kaufman)
1999: Asociación de críticos de Los Ángeles: mejor guión
1999: Nominada al César: Mejor película extranjera
1999: 3 premios del Círculo de críticos de Nueva York, incluyendo mejor debut cinematográfico
1999: Premio FIPRESCI en el Festival de Venecia
Cuando jugamos a un videojuego o cuando vemos una película a veces nos sentimos así, viviendo vidas que no son la nuestra, pero cuando el personaje del videojuego muere, se puede reiniciar, cuando la película acaba, no pasa nada…pero si fuese un personaje de carne y hueso y que tus actos se ven reflejados en los que realiza otra persona. Que ama, sufre, ríe y porque no decirlo, que quiere tener su cuerpo para él solo.
Si tuvieras la oportunidad de meterte en el cuerpo de otra persona ¿quien serias? ¿Cambiar de apariencia o de cuerpo hace que cambiemos de personalidad?…
Esta película esta recomendada a la gente que esta cansada de saber como va a terminar una película antes de empezar, remakes fallidos o segundas partes no muy elaboradas. Ademas el solo el argumento de la película se gana toda la originalidad.
Autor del Articulo: Sayisa
SUPER 8 Y THE DARK KNIGHT RISES
Hace ya mas o menos un año mi compañero y amigo helmarock me paso un trailer de una pelicula titulada Super 8. Desde que vi el trailer tenia muchas ganas de verla, ya que es del creador de Perdidos, JJ Abrams y ademas es de ciencia ficción. Esta es la sinopsis de la pelicula: En 1979 se da el cierre por parte de la fuerza aérea del Área 51. Todo el material almacenado es transportado a Ohio en tren, cuando un camión se salta las barreras y choca contra el tren provocando que este descarrile y una gran explosión. Pero el material almacenado oculta un secreto…
Se estrena el 19 de agosto de este año. En Estados Unidos ha cosechado buenas criticas asi que si os gusta el genero os la recomiendo.
Os dejo una imagen de la pelicula the dark knight rises o batman 3 dirigida por Christopher Nolan y protagonizada por Christian Bale, Anne Hatthaway, Tom Hardy, Michael Caine, Gary Oldman, Joseph Gordon Levitt, Marion Cotillard y Morgan Freeman y que se estrenara el año que viene en el mes de julio. La imagen es la de Tom Hardy haciendo del villano de la pelicula Bane.
Un saludo y espero que os haya gustado.
Autor del Articulo: ridley scott
Karloff vs. The monster
Antes de que palabras como metacine o postmodernismo pasaran a formar parte de la terminología habitual de los medios sobre el oficio cinematográfico, precedidas por una nueva generación de cineastas surgida al amparo de Quentin Tarantino, el director cinéfilo por excelencia ya existía. Su nombre era Peter Bogdanovich, conocido por ser además un respetado teórico del cine, faceta que tal vez condicionó y precipitó su agotamiento como realizador. Nos encontramos aquí con su primera película, una ópera prima que resulta toda una declaración de intenciones de un autor enamorado de su arte. Un filme en que su actor principal, Boris Karloff, asimila su condición de icono del celuloide interpretando una versión de sí mismo y que construye a partir de este personaje su discurso, una de las mayores reivindicaciones del poder de fascinación de la pantalla grande.
Para ello, Bogdanovich, también guionista, se sirve de una historia puramente de género, ya que tal vez se encuentren ahí las verdaderas raíces del cine en estado bruto, en que un actor veterano, un icono del horror, planea retirarse tras la presentación de una de sus películas, para la que Bogdanovich tomó prestados de uno de sus maestros, Roger Corman, 20 minutos no utilizados de la película El terror. Paralelamente, un tipo, paradigma de la clase media americana, tan convencional que resulta aburrido, decide un día asesinar a su madre y a su novia y, desatado, se embarca en una indiscriminada masacre en compañía de un generoso arsenal en el que no faltan varios rifles de mira telescópica. El autocine en que se presenta la última película de Byron Orlock, émulo del Karloff real, será el escenario en que confluirán las trayectorias de los dos personajes, el monstruo fílmico y el monstruo real.
La secuencia inicial ya establece una confrontación entre estas dos dimensiones. De las imágenes finales de la película dentro de la película, encendidas y llenas de vitalidad, que a su vez profetizan el final de una época, pasamos a una sala de visionado ocupada por ejecutivos de cine entre los que reina la indiferencia y un desencantado Orlock. Tal vez la única figura presente que conserva cierto idealismo e ilusión es la del director, interpretado, no casualmente, por el propio Bogdanovich. A partir de aquí la película funciona como una estructura de espejos, en la que el ocaso del veterano actor se refleja en el despertar del monstruo contemporáneo, reflejo de las paranoias de una sociedad que aún puede extrapolarse a la actual. Con una narrativa cercana al cine clásico, la película se toma su tiempo deleitándose en sus personajes. Con un ritmo pausado pero firme va moldeando una atmósfera de cada vez mayor tensión hasta su frenético último cuarto, sin perder fuerza en ningún momento y con una progresión dramática envidiable que nos lleva a coronar una cima como es la escena del enfrentamiento entre las dos fuerzas motoras del relato. Todo ello sazonado de referentes cinematográficos evocadores de la forma de contar historias de la época dorada de Hollywood, desde las películas de terror de Karloff, hasta una referencia explícita a Howard Hawks, que evidencian la intención de la película de reivindicar este cine.
Pero no sólo hay referencias a nivel argumental en este filme. En el aspecto visual, nos encontramos con una realización abigarrada deudora de los directores más admirados y a ciencia cierta analizados al detalle, por Bogdanovich. Al tratarse de una ópera prima, es usual que un director primerizo recurra a sus maestros, y debemos recordar que aquí estamos tratando con un erudito de la cultura fílmica. Su cámara es estilizada y abundan los travellings, resueltos con impecable pulso, desplegando información de una manera que recuerda a Welles, y la planificación basada en el corte, preciso y rápido, es heredera de Hithcock. Se permite también jugar con el claroscuro, y de forma sobresaliente, (especialmente en una larga escena en la que la única fuente de luz es el cigarrillo que el asesino tiene en los labios y en que aún no sucediendo nada especial resulta extremadamente inquietante)además de caer en vicios de la época como pueden ser los zooms, aunque de forma contenida. El estilo resultante es plenamente efectivo en cuanto a las intenciones de la película. Junto a la paleta de colores, saturados y exuberantes, transmite una cierta sensación de irrealidad, sin embargo, cuando mostramos al asesino, la cámara parece rehuir al máximo los efectismos y los tonos se vuelven grises, tratando con cierto naturalismo los avatares de su siniestra cacería, deteniéndose en su preparación y filmándolos como si se tratara de hechos cotidianos, lo cual hace que sea doblemente espeluznante.
Sin duda, en lo referente a interpretaciones, el gran peso lo tiene Karloff, encarnando a su alter ego en la pantalla, un personaje que borda y resulta el mejor homenaje que se le podía ofrecer. Esta película hace más por dignificar su carrera, que casi todo lo que hizo en su última etapa en activo. Sin embargo, hay aquí un actor joven y desconocido al que no consigue eclipsar, lo que hubiera dado al traste con la película, ya que para llegar a un enfrentamiento, a todas luces inevitable, con un arquetipo como Orlock, su personaje debía convertirse a su vez en un arquetipo. Tim O`Nelly nos deslumbra con una interpretación contenida y perturbadora, de un asesino que, aún en medio de una matanza, no puede contener su sonrisa de buen vecino. Los dos están rodeados de un elenco de actores competentes que están más que correctos, lo cual pone de manifiesto la formación como actor de Bogdanovich.
Merece la pena pararse en el inteligente y, aún en esta época, actual comentario que subyace tras cada uno de los planos del filme. La capacidad fascinadora que tiene el cine, transmutada en el rostro de Karloff y en un modo de hacer películas que se está perdiendo, diluyéndose en un mundo cada vez más cínico y con menos capacidad para ilusionarse. Como el propio Orlock comenta, ¿quién va a tenerle miedo cuando vivimos en un mundo en que los asesinatos se suceden a diario? Resulta paradigmático que sea desde la pantalla de cine donde elija disparar el francotirador, ahuyentando de las salas al público. Este corriente peatón reconvertido en asesino de masas es un hijo de los demonios de nuestra sociedad, imbuida en rutina e insatisfacción. Pero Bogdanovich quiere aquí reivindicar el poder del cine para exorcizar estos demonios, enfrentando a los dos símbolos y reduciendo al maníaco a un bulto encogido y lloriqueante, abrumado por la imagen del icono cinematográfico.
No puedo estar más de acuerdo con el discurso. Aquellos que amamos el cine sabemos de su capacidad de sugerencia, del estímulo que supone para nuestros sentidos, y, ahora más que nunca, los tiempos parecen conspirar en su contra. Con la revolución del DVD, parece que el cine ha vuelto, esta vez a nuestros hogares, y gracias a él podemos disfrutar, y revalorizar todas aquellas películas a las que El héroe anda suelto dedica un homenaje en clave de réquiem. Pero es pronto para tocar la última nota. Mientras haya gente que se ilusione, gente atrapada por la pantalla, seguirá habiendo personas que, como Bogdanovich, nos inviten a contagiarnos del amor a las películas.
Autor del Articulo: Ispitonyourgrave
Tintín y el ‘mocap’ ¿animación?
En breve podremos disfrutar de la última creación del Steven Spielberg, “Las aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio”, la primera de una trilogía que emplea el sistema 3D Motion Capture (mocap). El director justifica el empleo de dicha técnica de la siguiente manera:
“Es por mi respeto hacia el arte de Hergé y porque queremos acercarnos a ese arte todo lo que podamos. Hergé escribió sobre gente de ficción en un mundo real, no en un universo de fantasía. Trabajaba en el mundo de verdad, y utilizaba National Geographic para investigar sobre las historias de sus aventuras. Creíamos que una película con actores de verdad sería demasiado estilizada para el público. Tendríamos que tener trajes que parecerían pasados de moda al ver a los actores con ellos. Parece que los trajes quedan mejor en el medio digital”.
Pues bien, la polémica está servida. Los hay que defienden que una cinta en la que se emplea mocap (captura el movimiento, parte es real y parte animación) es una película de animación, mientras que otros se decantan por todo lo contrario, ya que permite reproducir los movimientos de actores reales en cuerpos digitales creados para el film.
En el caso de dicha entrega de Tintín, la cinta mezcla imágenes fieles al cómic de Hergé pero también fotos relistas de actores reconocidos que no solo ponen la voz sino también su interpretación.
Y llegamos a la polémica, ¿en qué categoría debemos clasificar este tipo de producciones?
La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas que entrega anualmente los Oscar ha dejado muy claro en sus reglas que “el mocap por sí mismo no es una técnica de animación”. Aún así son muchos los actores que han protagonizado sus papeles tras esta técnica: Tom Hanks (Polar Express), Angelina Jolie (Beowulf), Jim Carrey (A Christmas Carol)…
Y nos preguntamos, si el mocap no es una técnica de animación… ¿qué hace Happy Feet con el Oscar a mejor película de animación en 2007? ¿optará Daniel Craig al Oscar a mejor actor por su papel de Rackham el rojo en Tintín?
No olvidemos que El retorno del rey, que se llevó el Oscar a la mejor película en 2004, es considerada junto con el resto de la saga del anillo como el descubrimiento del mocap. Y para el estreno de The Hobbit en 2012 Peter Jackson tiene puestas sus aspiraciones en la categoría de mejor película: nada de verse relegado al nicho de los filmes de animación.
El debate está abierto
Autor del Articulo: Vanilla